EL TERCER OJO (FICHA)

THE YIN AND YANG OF MR. GO / THE THIRD EYE

El tercer ojo

1970. Ross Films Productions Limited. 89 min. Color.

Director: Burgess Meredith.
Guión: Burgess Meredith.
Historia de: Joseph Zucchero y Alvin Ostroff.
Productor: Thomas I. Ross.
Productor asociado: James Cranston.
Director de fotografía: John Stephens.
Director artístico: Dong Kingman.
Montaje: Richard Brockway.
Música: Robert O. Ragland.
Canciones: Robert O. Ragland y Marcia Waldorf.
Decorados: Dong Kingman.
Maquillaje: Marvin Westmore.Vestuario: Virginia Fung.
Rodaje: Hong Kong (China) y Toronto, Ontario (Canadá).
Estreno USA: 1970.

INTÉRPRETES:

James Mason (Mr. Go), Broderick Crawford (B.B.O’Kelly), Jeffrey Bridges (Nero Finnighan), Robert Cabot (Clay), Peter Lind Hayes (Profesor Robert Bannister), Jack MacGowran (Leo Zimmerman), Burgess Meredith (El delfín), Jay Adler (Dr. Yul), King Hu (Ito Suzuki), Clarissa Kaye (Zelda), June Sampson (Miss Hagen), Gigo Tevzadze (Dr. Ading) e Irene Tsu (Tah Ling).

ARGUMENTO:

Una estrella de rock arrastra tras de sí el fantasma de Vietnam sin sospechar que se halla en medio de una conjura cósmica en virtud de la cual Buda cambia la vida de alguien cada siete años.

COMENTARIO:

Segundo y último largometraje del entrañable actor de carácter Burgess Meredith, tras dirigir 20 años antes “The man on the Eiffel Tower”. Recordado injustamente siempre por el papel de Mickey Goldmill en la saga de “Rocky” y por ser el malvado Pingüino en la serie “Batman”. Fue nominado a dos Oscar al actor secundario por “Como plaga de langosta” (1975) y “Rocky” (1976), siendo un secundario de lujo en la década de los 70 en películas como “Hinderburg”, “La centinela”, “Magic” y “El día del fin del mundo”. “El tercer ojo” es una película inclasificable que se desarrolla en un oriente surrealista y en la que el propio director reconoció perder el control de la misma durante el montaje y la casi nula promoción, la película se estrenó en Europa sin su consentimiento. Se trató, además, de la primera película de Jeff Bridges en cine, para la cual también aportó música para la banda sonora, aunque de manera anónima como ya hiciera para la película de Peter Yates, “John y Mary” (1969).

VALORACIÓN IMDB:

4'1/10.

ODIO EN LAS AULAS (FICHA)

HALLS OF ANGER

Odio en las aulas

1970. United Artists. 105 min. Color.

Director: Paul Bogart.
Guión: John Shaner y Al Ramrus.
Productor: Herbert Hirschman.
Director de fotografía: Burnett Guffey.
Música: Dave Grusin.
Director artístico: Addison Hehr.
Montaje: Bud Molin.
Casting: Lynn Stalmaster.

Rodaje: Los Angeles, California (USA).

Estreno USA: 29 de abril de 1970.
Estreno España: 3 de julio de 1972.

INTÉRPRETES:

Calvin Lockhart (Quincy Davis), Janet MacLachlan (Lorraine Nash), James A. Watson Jr. (J.T.Watson), Jeff Bridges (Doug), Rob Reiner (Leaky Couloris), DeWayne Jesse (Lerone Johnson), Patricia Stich (Sherry Vaughn), Edward Asner (McKay), John McLiam (Lloyd Wilkerson), Gary Tigerman (Backavitch), Ta-Tanisha (Claudine), Helen Kleeb (Rita Monahan), Barry Brown (Winger), Florence St. Peter (Miss Rowland), Maye Henderson (Mrs. Taylor), Kim Manners (Aislan), Hilly Hicks (Amory), Randy Brooks (Sabin), Carl Wilson (Baxter), Roy Jenson (Harry Greco), Lou Frizzell (Phil Stewart), Peggy Toy (Mae), Richard Levin (Perkins), Alex Clarke (Dupres), Gilbert Green (Mr. Cargyll), Davis Roberts (Mr. Willis), Martin Blaine (Mr. Thornbush), Luther Whitsett (Ivan Fowler), Christopher Graham (Carl) y David Sheiner (Mr. Perkins).

ARGUMENTO:

Un profesor negro tiene que llevar a cabo una difícil misión de integración. Esta consiste en conseguir una convivencia pacífica entre sesenta alumnos blancos y los estudiantes negros de la escuela a la que van a asistir todos los días. Pero antes de que pueda darse cuenta surgen los primeros brotes violentos y pugnas entre los racistas de ambos bandos.

COMENTARIO:

Correcto alegato antirracista de triste actualidad que supuso el segundo trabajo en cine de Jeff Bridges, interpretando a Doug, un joven blanco que intentaba adaptarse en su nuevo ambiente escolar, en el que la gente de color era claramente predominante. Dirigida por Paul Bogart, con quien repetiría un año después en el telefilme “In search of America”, cuenta además con la participación del actor-director Rob Reiner y con un Edward Asner anterior al boom televisivo de la serie “Lou Grant”. Bogart cuyo trabajo más destacable había sido “Marlowe, detective privado” (1969), trabajaría posteriormente en cine en contadas ocasiones: “Clase del 44” (1973) o “Trilogía de Nueva York” (1989).

VALORACIÓN IMDB:

5'5/10.

LA ÚLTIMA PELÍCULA (FICHA)

THE LAST PICTURE SHOW

La última película

1971. Columbia. 118 min. B/N.

Director: Peter Bogdanovich.
Guión: Peter Bogdanovich y Larry McMurtry.
Historia de: Larry McMurtry.
Productor: Stephen J. Friedman.
Productores ejecutivos: Bert Schneider y Harold Schneider.
Director de fotografía: Robert Surtees.
Montaje: Donn Cambern.
Casting: Ross Brown.
Diseño de producción: Polly Platt.
Dirección artística: Walter Scott Rendón.
Vestuario: Nancy McArdle y Mickey Sherrand.

Rodaje: Archer City, Wichita Falls, Texas y St. Augustine, Florida (USA).

Estreno USA: 3 de octubre de 1971.

Estreno España: 10 de abril de 1972.

Premios: Oscar, Globo de oro, Bafta, Asociación de críticos de Nueva York y National Board Review al mejor actor secundario (Ben Johnson), Oscar, Bafta, Asociación de críticos de Kansas y National Board Reviews a la mejor actriz secundaria (Cloris Leachman), Asociación Nacional de críticos y Asociación de críticos de Nueva York a la mejor actriz secundaria (Ellen Burstyn), Bafta, Asociación de críticos de Nueva York y Asociación de escritores de America al mejor guión (Larry McMurtry y Peter Bogdanovich), Kinema Jumpo Awards a la mejor película extranjera y Asociación de críticos de Sao Paolo a la mejor película extranjera.

Nominaciones a Jeff Bridges: Oscar al mejor actor secundario.

INTÉRPRETES:

Timothy Bottoms (Sonny Crawford), Jeff Bridges (Duane Jackson), Cybill Shepherd (Jacy Farrow), Ben Johnson (Sam, el león), Cloris Leachman (Ruth Popper), Ellen Burstyn (Lois Farrow), Eileen Brennan (Genevieve), Clu Gulager (Abilene), Sam Bottoms (Billy), Sharon Ullrick (Charlene Duggs), Randy Quaid (Lester Marlow), Joe Heathcock (El Sheriff), Bill Thurman (Entrenador Popper), Barc Doyle (Joe Bob Blanton), Jessie Lee Fulton (Miss Mosey), Gary Brockette (Bobby Sheen), Helena Humann (Jimmie Sue), Loyd Catlett (Leroy), Robert Glenn (Gene Farrow), John Hillerman (Profesor), Janice E. O’Malley (Mrs. Clarg), Floyd Mahaney (Policía de Oklahoma), Kimberly Hyde (Annie-Annie Martin), Noble Willingham (Chester), Marjorie Jay (Winnie Snips), Joye Hash (Mrs. Jackson), Pamela Keller (Jackie Lee French), Gordon Hurst (Monroe), Mike Hosford (Johnny), Faye Jordan (Enfermera), Charles Seybert (Andy Fanner), Grover Lewis (Mr. Crawford), Rebecca Ulrick (Marlene), Bobby McGriff (Camionero), Jack Mueller (Gasolinero), Robert Arnold (Hermano Blanton), Frank Marshall (Tommy Logan), Tom Martin (Larry), Otis Elmore (Primer mecánico), Charles Salmon (Conductor), George Gaulden (Vaquero), Will Morris Hannis (Hombre de la gasolinera), Peter Bogdanovich (Voz del disc jockey) y Antonia Bogdanovich (Cantante).

ARGUMENTO:

Un grupo de jóvenes pasan los días del turbulento año 1951 en una pequeña ciudad texana. En el horizonte se perfilan dos hechos que dibujan el ocaso de su juventud: la guerra de Corea, que acabará por llevarse a uno de ellos, y la desaparición del desvencijado cine local.

COMENTARIO:

Tras un debut de lo más prometedor con “Targets”, protagonizada por un anciano Boris Karloff, Bogdanovich dirigió “La última película” basada en una nostálgica novela de Larry McMurtry en la que relataba sus recuerdos de la niñez, viviendo en un pequeño pueblecito de Texas llamado Archer City. El guión fue adaptado por Bogdanovich y el propio McMurtry, situando la acción de los desencantados personajes protagonistas en un pueblo ficticio llamado Anarene (aunque realmente se filmó en el verdadero Archer City). La película es un homenaje al cine clásico en la figura de ese pueblo que se extingue y de ese cine que cierra sus puertas por la llegada implacable de la televisión. Bogdanovich reveló a una cantera de actores jóvenes: Jeff Bridges, Cybill Shepherd, Timothy Bottoms y Randy Quaid, y sacó lo mejor de excelentes actores de mayor experiencia: Ellen Burstyn, Ben Johnson, Cloris Leachman y Eileen Brennan. La película recibió todo tipo de premios de la crítica, premios Bafta, globos de oro y 8 nominaciones a los Oscar (una de ellas para el propio Jeff Bridges), llevándose los correspondientes a los actores secundarios, para Ben Johnson, por su inolvidable papel de Sam, el león y Cloris Leachman. La película pese a ser considerada una película de culto del reciente cine americano recibió una clasificación R por su contenido erótico. La carrera y el prestigio de Bogdanovich tras un par de éxitos como “¿Qué me pasa doctor?” (1972) y “Luna de papel” (1974) se hundiría en la más profunda de las miserias. Las carreras de sus tres jóvenes intérpretes despegarían con desigual fortuna; Jeff Bridges sería el que tendría más suerte, Cybil Shepherd tendría su mejor momento quince años después con la serie “Luz de luna”. 19 años después el mismo director y gran parte del reparto se reuniría para rodar una fallida secuela, “Texasville” (1990).

VALORACIÓN IMDB:

8/10.

CIUDAD DORADA (FICHA)

FAT CITY

Ciudad dorada

1972. Columbia/Rastar. 100 min. Color.

Director: John Huston.
Guión: Leonard Gardner.
Historia de: Leonard Gardner.
Productores: John Huston y Ray Stark.
Productor asociado: David Dworski.
Director de fotografía: Conrad L. Hall.
Montaje: Walter Thompson.
Casting: Fred Roos y Jennifer Shull.
Diseño de producción: Richard Sylbert.
Canciones: Kris Kristofferson.
Decorados: Morris Hoffman.
Vestuario: Dorothy Jeakins.
Maquillaje: Jack Young.
Sonido: Tom Overton y Arthur Piantadosi.

Rodaje: Stockton, California (USA).

Estreno USA: 26 de julio de 1972.

Estreno España: 18 de septiembre de 1973.

Premios: Asociación de críticos de Kansas al mejor actor (Stacy Keach).

INTÉRPRETES:

Stacy Keach (Billy Tully), Jeff Bridges (Ernie Munger), Susan Tyrrell (Oma), Candy Clark (Faye), Nicholas Colasanto (Ruben), Art Aragon (Babe), Curtis Cokes (Earl), Sixto Rodriguez (Lucero), Billy Walker (Wes), Wayne Mohan (Buford), Ruben Navarro (Fuentes) y Carl D. Parker (Pagador).

ARGUMENTO:

Billy Tully, un ex-boxeador que sueña con reconquistar la cima deportiva que le llevó a la fama, sin reparar en su condición de vagabundo, de juguete roto que busca el respeto perdido, conoce a Ernie Munger, un joven aspirante al título del que se convertirá en mentor.

COMENTARIO:

La afición de John Huston por el boxeo se remonta a su juventud, cuando con 16 años y como boxeador amateur fue campeón de peso ligero de California, por lo tanto “Fat city”, basada en un relato de Leonard Gardner, es uno de sus títulos más personales y una de las películas que mejor reflejaron ese mundo. Los actores Stacy Keach, en un papel en principio pensado para Marlon Brando, y Jeff Bridges entrenaron durante tres meses con el veterano boxeador Art Aragón, para dar más verisimilitud a las escenas de combate. Susan Tyrrell fue nominada al Oscar a la mejor actriz secundaria por su papel de la alcohólica Oma, y la película pese a sus buenas críticas fracasó en taquilla, por ser, como dijo su propio director “demasiado triste”. Pese a ello sigue siendo por muchos motivos un título de referencia del género.

VALORACIÓN IMDB:

7'4/10.

PISTOLEROS EN EL INFIERNO (FICHA)

BAD COMPANY

Pistoleros en el infierno

1972. Paramount. 93 min. Color.

Director: Robert Benton.
Guión: Robert Benton y David Newman.
Productor: Stanley R. Jaffe.
Director de fotografía: Gordon Willis.
Montaje: Ron Kalish y Ralph Rosenblum.
Música: Harvey Schmidt.
Casting: Hoyt Bowers.
Diseño de producción: Paul Sylbert.
Director artístico: Robert Gundlach.
Decorados: Audrey A. Blasdel.
Vestuario: Anthea Sylbert.
Maquillaje: Hank Edds.

Estreno USA: 8 de octubre de 1972.

Estreno España: 16 de abril de 1973.

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Jake Rumsey), Barry Brown (Drew Dixon), Jim Davis (Marshal), David Huddleston (Big Joe), John Savage (Loney), Jerry Houser (Arthur Simms), Damon Cofer (Jim Bob Logan), Joshua Hill Lewis (Bogo Bookin), Geoffrey Lewis (Hobbs), Raymond Guth (Jackson), Ed Lauter (Orin), John Quade (Nolan), Jean Allison (Mrs. Dixon), Ned Wertimer (Mr. Dixon), Charles Tyner (Egg Farmer), Ted Gehring (Zeb), Claudia Bryar (Mrs. Clum), John Boyd (Prisionero), Monica Henreid (Min) y Todd Martin (Sargento).

ARGUMENTO:

Dos jóvenes camaradas comparten camino y riesgos en la Norteamérica de la Guerra de Secesión, llevando a tal extremo su condición rebelde que se convierten en fugitivos de la justicia. Poco a poco, descubrirán su particular instinto de supervivencia.

COMENTARIO:

Debut en la dirección del hasta entonces guionista Robert Benton, quien obtuvo prestigio por escribir los libretos de “Bonnie y Clyde” (1967), “El día de los tramposos” (1970) y “¿Qué me pasa, doctor?” (1973). El guión de este desmitificador e irónico western lo escribió junto a David Newman, pero a pesar de la solidez de los diálogos el conjunto general carece de fuerza. Robert Benton se ha labrado una relajada obra que integran 10 películas en más de 30 años, con “Kramer contra Kramer” (1979) ganó el Oscar al mejor director, y por “En un lugar del corazón” (1984) el Oscar al mejor guionista. Otras películas suyas a reivindicar son “El gato conoce al asesino” (1977), “Ni un pelo de tonto” y “Al caer el sol” (1998). Jeff Bridges volvió a trabajar 15 años después con Robert Benton en un proyecto mucho más insatisfactorio: “Nadine” (1987).

VALORACIÓN IMD:

7'2/10.

LOLLY-MADONNA XXX (FICHA)

LOLLY-MADONNA XXX / THE LOLLY-MADONNA WAR

1973. Metro Goldwyn Mayer. 100 min. Color.

Director: Richard C. Sarafian.
Guión: Rodney Carr-Smith y Sue Grafton.
Historia de: Sue Grafton.
Productor: Rodney Carr-Smith.
Música: Fred Myrow.
Director de fotografía: Philip H. Lathrop.
Montaje: Tom Rolf.
Casting: Lynn Stalmaster.
Director artístico: Herman A. Blumenthal.
Decorados: James W. Payne.

Rodaje: Knoxville, Tennessee (USA).

Estreno USA: 21 de febrero de 1973.

INTÉRPRETES:

Rod Steiger (Laban Feather), Robert Ryan (Pap Gutshall), Jeff Bridges (Zack Feather), Scott Wilson (Thrush), Catherine Squire (Chickie Feather), Tresa Hughes (Elspeth Gutshall), Timothy Scott (Skylar Feather), Kiel Martin (Ludie Gutshall), Ed Lauter (Hawk Feather), Joan Goodfellow (Hermana E. Gutshall), Season Hubley (Roonie Gill), Randy Quaid (Finch Feather), Gary Busey (Zeb) y Paul Koslo (Villum Gutshall).

ARGUMENTO:

Una pradera del interior de Tennessee se convierte en la frontera que separa las vidas de dos familias de granjeros y en el campo de batalla en el que se traducen sus peores sentimientos.

COMENTARIO:

Este film cuenta la rivalidad de dos familias de Tennessee que venden alcohol de manera ilegal durante la ley seca. Por un lado están los Feather, integrado por el patriarca Laban (Rod Steiger) y sus cuatro hijos: Thrush (Scott Wilson), Zack (Jeff Bridges), Hawk (Ed Lauter) y Finch (Randy Quaid); el otro bando son los Gutshalls, formado por el patriarca Pap (Robert Ryan) y sus tres hijos: Ludie (Kiel Martin), Seb (Gary Busey) y Villum (Paul Koslo). Se basó en la novela de Sue Grafton “The Lolly-Madonna war”, el título se refiere a un personaje ficticio que se inventa Ludie Gutshall a través de correspondencia para desestabilizar el otro bando. La película pasó totalmente desapercibida allí donde se estrenó y supuso al menos para Bridges la ocasión de aprender de veteranos como Robert Ryan, con el que volvería a coincidir en “El repartidor de hielo”, y Rod Steiger, cuyos métodos de trabajo eran diametralmente opuestos a los suyos. En este film conoció a uno de sus grandes amigos dentro del oficio, Gary Busey. El televisivo Richard C. Sarafian no pareció la mejor opción para un film de tales pretensiones, demostrando nuevamente su mediocridad en filmes como “El hombre que amó a Cat Dancing” (1973) o “El árabe” (1976) y abandonando la dirección para dedicarse a la interpretación a partir de la década de los 90.

VALORACIÓN IMDB:

5'2/10.

EL ÚLTIMO HÉROE AMERICANO (FICHA)

THE LAST AMERICAN HERO

El último héroe americano

1973. TCF/Wizan. 95 min. Color.

Director: Lamont Johnson.
Guión: William Roberts y Tom Wolfe.
Historia de: Tom Wolfe.
Productores: John Cutts y William Roberts.
Música: Charles Fox.
Director de fotografía: George Silano.
Montaje: Robbe Roberts y Tom Rolf.
Director artístico: Lawrence G. Paul
Decorados: James L. Berkey.

Rodaje: Hickory, Carolina del Norte y Martinsville, Virginia (USA).

Estreno USA: 27 de julio de 1973.

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Elroy Jackson Jr./Junior Jackson), Valerie Perrine (Marge Dennison), Geraldine Fitzgerald (Mrs. Jackson), Ned Beatty (Hackel), Gary Busey (Wayne Jackson), Art Lund (Elroy Jackson Sr.), Ed Lauter (Burton Colt), William Smith (Kyle Kingman), Gregory Walcott (Cleve Morley), Tom Ligon (Lamar), Ernie F. Orsatti (Davie Baer), Erica Hagen (Trina Kingman), James Murphy (Spud) y Lane Smith (Rick Penny).

ARGUMENTO:

Biografía de los años jóvenes del conductor de competición Junior Jackson, cuando sólo era un destilador ilegal de whisky empeñado, para desesperación de las autoridades, en superar todos los límites de velocidad señalados en las carreras locales.

COMENTARIO:

Basada en un relato de Tom Wolfe, popular después por “La hoguera de las vanidades”, este film se centra en la historia real de Junior Johnson, exitoso piloto de carreras que tuvo una juventud de lo más agitada, debido a un entorno familiar poco recomendable, llegando incluso a ingresar en prisión en alguna ocasión. A partir de 1953 y durante 14 años lograría un total de 46 poles. Jeff Bridges venía curiosamente de trabajar con Ed Lauter y Gary Busey, que aquí interpreta a su hermano, en “Lolly-Madonna XXX”, y en este film conoció a la que sería su pareja sentimental durante algún tiempo, Valerie Perrine. Lamont Johnson, cuyo trabajo más conocido había sido “El gran duelo” (ese extraño western que emparejó a Kirk Douglas con Johnny Cash), dirigiría posteriormente “Lipstick, lapiz de labios” (1976), antes de volver a dirigir a Jeff Bridges en la muy mediocre “Alguién mató a su marido” (1978). Después su carrera volvería al lugar donde empezó: la televisión.

VALORACIÓN IMDB:

5'9/10.

EL REPARTIDOR DE HIELO (FICHA)

THE ICEMAN COMETH

El repartidor de hielo

1973. American Film Theatre. 171 min. Color.

Director: John Frankenheimer.
Guión: Thomas Quinn Curtis y Eugene O’Neill.
Historia de: Eugene O’Neill.
Productor: Ely A. Landau.
Director de fotografía: Ralph Woolsey.
Montaje: Harold F. Kress.
Casting: Lynn Stalmaster.
Diseño de producción: Jack Martin Smith.
Decorados: Raphael Bretón.
Vestuario: Dorothy Jenkins.

Rodaje: Los Angeles, California (USA).

Estreno USA: 10 de noviembre de 1973.

Estreno España: Directamente en video.

Premios: Asociación de críticos de Kansas y Asociación de la crítica nacional al mejor actor secundario (Robert Ryan).

INTÉRPRETES:

Lee Marvin (Theodore “Hickey” Hickman), Fredric March (Harry Hope), Robert Ryan (Larry Slade), Jeff Bridges (Don Parritt), Bradford Dillman (Willie Oban), Sorrell Booke (Hugo Kalmar), Hildy Brooks (Margie), Juno Dawson (Pearl), Evans Evans (Cora), Martyn Green (Capitan Cecil Lewis), Moses Gunn (Joe Mott), Clifton James (Pat McGloin), John McLiam (Jimmy Tomorrow), Stephen Pearlman (Chuck Morelo), Tom Pedi (Rocky Pioggi), George Voskovec (El General) y Don McGovern (Policia).

ARGUMENTO:

“La esperanza de Harry” es una pensión de ínfima categoría que sirve de refugio a vagabundos alcoholizados y prostitutas. Todo en el lugar sigue la misma rutina, hasta que “Hickey”, el repartidor de hielo, llega para su borrachera anual aprovechando el cumpleaños de Harry Hope, los sueños y aspiraciones de cada personaje se desvanece con un doloroso patetismo, exponiendo las necesidades humanas de ilusiones y fantasías como un antídoto de su propio engaño y desesperación.

COMENTARIO:

Esta obra de teatro de Eugene O’Neil ya fue rodada por Sidney Lumet con anterioridad para la televisión en 1960, contando con Jason Robards en el lucido papel de “Hickey”. Frankenheimer reunió a todo un plantel de veteranos actores: Lee Marvin, Robert Ryan, Bradford Dillman y Fredric March, que dan todo un recital interpretativo durante las 3 horas que dura el film. Curiosamente sería su última película tanto para Robert Ryan como para Fredric March. A pesar de tener una vida fugaz en cine y de pasar rápidamente al olvido, este film merecía mucha más suerte. Jeff Bridges, quien heredó el papel que en el telefilme de Lumet hizo Robert Redford, en un principio declinó la oferta a trabajar en este film, recibiendo una gran reprimenda de su director por querer perderse la oportunidad de trabajar con leyendas vivas.

VALORACIÓN IMDB:

7'8/10.

UN BOTÍN DE 500.000 DÓLARES (FICHA)

THUNDERBOLT AND LIGHTFOOT

Un botín de 500.000 dólares

1974. United Artists/Malpaso. 114 min. Color.

Director: Michael Cimino.
Guión: Michael Cimino.
Productor: Robert Doley.
Director de fotografía: Frank Stanley.
Montaje: Ferris Webster.
Música: Dee Barton.
Casting: Patricia Rose.
Director artístico: Tambi Larsen.
Decorados: James L. Berkey.
Maquillaje: Joe McKinney.
Sonido: Bert Hallberg.

Rodaje: Fort Benton y Great Falls, Montana (USA).

Estreno USA: 23 de mayo de 1974.

Estreno España: 4 de septiembre de 1974.

Recaudación USA: 25.000.000 $.

Nominaciones a Jeff Bridges: Oscar al mejor actor secundario.

INTÉRPRETES:

Clint Eastwood (John “Thunderbolt” Doherty), Jeff Bridges (Lightfoot), Geoffrey Lewis (Eddie Goody), George Kennedy (Red Leary), Catherine Bach (Melody), Gary Busey (Curly), Jack Dobson (Gerente de la camara acorazada), Gene Elman (Turista en la casaescuela), Burton Gilliam (Welder), Roy Jenson (Dunlop), Claudia Lennear (Secretaria), Bill McKinney (Conductor loco), Vic Tayback (Mario Pinski), Dub Taylor (Dependiente en la estación), Gregory Walcott (Vendedor de coches usados), Erica Hagen (Camarera), Alvin Childress (Conserje en el departamento de la tienda), Virginia Baker (Mujer en la estación), Stuart Nisbet (Arnold, hombre en la estación), Irene K. Cooper (Cashier), Cliff “Fatty” Emmich (Hombre gordo en la oficina de telégrafos), June Fairchild (Gloria), Ted Foulkes (Chico joven), Leslie Oliver y Mark Montgomery (Adolescentes), Karen Lamm (Chica en motocicleta), Luanne Roberts (Ama de casa de la periferia) y Lila Teight (Turista en la casaescuela).

ARGUMENTO:

Un ladrón de bancos, llamado Thunderbolt, logra escapar de la prisión y se oculta de la justicia disfrazado de predicador. Tras asociarse con un joven timador, Lightfoot, busca el escondite donde ocultó el botín de su último golpe, pero descubre que el lugar ha sido ocupado por un edificio recién construido.

COMENTARIO:

Debút en la dirección de Michael Cimino, cuya carrera en cuestión de 6 años pasó de ser prometedoramente brillante a caer en desgracia. Este es uno de sus mejores trabajos, que se complementa con unas magnificas interpretaciones, en especial de Jeff Bridges y George Kennedy. 4 años después Michael Cimino tendría su mayor éxito con “El cazador”, obteniendo 5 Oscar incluido el de mejor director. Su siguiente proyecto “La puerta del cielo” (1980) se le fue de las manos y su monumental fracaso fue capaz de hundir a la United Artists. A partir de entonces la megalomanía de algunos directores fue cortada de raíz, y Cimino se convirtió instantáneamente en un director maldito, sin importar todo lo que hiciera ganar al estudio con su anterior película. Desde entonces solo ha podido dirigir 4 películas de escasa repercusión: la notable “Manhattan sur” (1985), “El siciliano” (1987), el excelente remake “37 horas desesperadas” (1990) y “Sunchaser” (1996). Jeff Bridges fue nuevamente nominado al Oscar al mejor actor secundario por este lucido trabajo y volvería a coincidir con Cimino en la citada “La puerta del cielo”, interpretando a uno de sus antepasados.

VALORACIÓN IMDB:

6'9/10.

VIDAS SIN BARRERA (FICHA)

RANCHO DELUXE

Vidas sin barrera

1975. United Artists. 93 min. Color.

Director: Frank Perry.
Guión: Thomas McGuane.
Productor: Elliott Kastner.
Música: Jimmy Buffet.
Director de fotografía: William A. Fraker.
Montaje: Sidney Katz.
Diseño de producción: Santo Loquasto.
Sónido: Dan Sable.

Rodaje: Livingston, Montana (USA).

Estreno USA: 14 de marzo de 1975.

Estreno España: 16 de febrero de 1976.

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Jack McKee), Sam Waterston (Cecil Colson), Elizabeth Ashley (Cora Brown), Clifton James (John Brown), Slim Pickens (Henry Beige), Charlene Dallas (Laura Beige), Harry Dean Stanton (Curt), Richard Bright (Burt), Patti D’Arbanville (Betty Fargo), Maggie Wellman (Mary Fargo), Joe Spinell (Mr. Colson), Bert Conway (Wilbur Fargo), Anthony Palmer (Karl), Richard McMurray (Mr. McKee), Danna Hansen (Mrs. McKee), Doria Cook (Anna), Helen Craig (Mrs. Castle), Richard Cavanaugh (Juez Livestock ), Patti Jerome (La Madam), Arnold Hupper (Policia), Esther Black (Abuela Hopper), Ronda Copland (Dee), Jimmy Buffett (Él mismo), Jim Melin y Tim Schaeffer (Miembros de la orquesta), Oneida Broderick (Otra señora), Paula Jermunson (Señora Foreman), Sandy Kenyon (Cara flaca), Angela Kramer (Mujer en el Rancho), Ben Mar Jr. (Cocinero), Pat Noteboom (Prostituta), Warren Oates (Hombre tocando la harmónica en el bar), John Quade (Cara circular), Wilma Riley (Mrs. Colson), John Rodgers (Oficinista), Joseph Sullivan (Mareado) y Bob Wetzel (Camionero).

ARGUMENTO:

Jack Mckee y Cecil Colson viven en Big Sky, Montana, y sobreviven gracias a su ingenio y al robo de reses, que venden a las fábricas de conservas. Pero no están contentos con sus pequeñas fechorías y su máxima ilusión es comprar un rifle con el que poder cazar búfalos.

COMENTARIO:

Película de interesante guión que se estrenó con pretensiones de ser una comedia inteligente sin conseguir sus objetivos en parte por la nula labor de un director como Frank Perry, tan poco experimentado en el genero y tan poco dotado de ritmo cinematográfico. Fallecido en 1995 sus trabajos más destacados fueron “El nadador” (1968), “Duelo a muerte en OK Corral” (1971), “Queridísima mamá” (1981) y “Monseñor” (1982). Para Bridges este rodaje sería inolvidable, puesto que conoció a la que aún hoy es mujer, Susan Geston, que trabajaba como doncella en el rancho-hotel Chico Springs en donde se rodó la película.

VALORACIÓN IMDB:

6'6/10.

AQUEL LOCO, LOCO OESTE (FICHA)

HEARTS OF THE WEST

Corazones del Oeste / Aquel loco, loco Oeste

1975. Metro Goldwyn Mayer. 102 min. Color.

Director: Howard Zieff.
Guión: Robert E. Thompson.
Productor: Tony Bill.
Música: Ken Lauber.
Director de fotografía: Mario Tosi.
Montaje: Edward A. Warschilka.
Casting: Dianne Crittenden.
Director artístico: Robert Luthardt.
Decorados: Chuck Pierce.
Vestuario: Patrick Cummings.
Maquillaje: Bob Stein.
Sonido: Jerry Jost.

Rodaje: Agua Dulce, California (USA).

Estreno USA: 4 de octubre de 1975.

Estreno España: Directamente en video.

Premios: Asociación de críticos de Nueva York al mejor actor secundario (Alan Arkin).

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Lewis Tater), Andy Griffith (Howard Pike), Donald Pleasence (A. J. Nietz), Blythe Danner (Miss Trout), Alan Arkin (Kessler), Richard B. Shull (Stout Crook), Herb Edelman (Polo), Alex Rocco (Earl), Frank Cady (Pa Tater), Anthony James (Lean Crook), Burton Gilliam (Lester), Matt Clark (Jackson), Candy Azzara (Camarera), Thayer David (Gerente del banco), Wayne Storm (Lyle, la estrella de la película), Marie Windsor (Mujer en Nevada), Anthony Holland (Invitado en la fiesta de la playa), Dub Taylor (Agente en Nevada), Raymond Guth (Wally), Herman Poppe (Lowell), William Christopher (Contable del banco), Jane Dulo (Mrs. Stern), Dave Morick (Camara), Jacques Foti (Director musical), Stuart Nisbet (Lucky), Tucker Smith (Bobo en Pith Helmet), Richard Stahl (Barbero), Linda A. Borgeson (Ingenua en el western), Titus Napoleon (Bateria nativo), Barbara Brownell (Novia de Nietz), Granville Van Dusen (Piloto) y Fred Ward (Sam).

ARGUMENTO:

La vida de Lewis Tater cambia completamente cuando conoce a dos buhoneros que le introducen en asuntos poco claros. El bueno de Tañer acabará soñando con escribir novelas del Oeste mientras convive con un puñado de vaqueros que trabajan como especialistas, en una productora de cine.

COMENTARIO:

Extraña comedia que a pesar de sus pocas pretensiones tiene un cierto encanto, por su original historia y por un reparto completado por secundarios del carisma de Alan Arkin, Donald Pleasence o Andy Griffith. Segundo trabajo de Howard Zieff, director especializado en la comedia, con solo 9 títulos en su filmografía, algunos de ellos muy interesantes: “Alegrias de un viudo” (1978), “La recluta Benjamin” (1980), “Infielmente tuya” (1984), “Una pandilla de lunaticos” (1989) y “Mi chica” (1991). El trabajo de Bridges quedo en parte eclipsado por el inmenso Alan Arkin, que recibió varios premios de la crítica por su labor en este filme.

VALORACIÓN IMDB:

6'3/10.

MÚSCULOS DE ACERO (FICHA)

STAY HUNGRY

Músculos de acero / El gran guardaespaldas

1976. United Artists. 102 min. Color.

Director: Bob Rafelson.
Guión: Charles Gaines y Bob Rafelson.
Historia de: Charles Gaines.
Productores: Bob Rafelson y Harold Schneider.
Música: Byron Berline y Bruce Langhorne.
Director de fotografía: Victor J. Kemper.
Montaje: John F.Link.
Casting: Dianne Crittenden.
Diseño de producción: Toby Carr Rafelson.
Decorados: Robert Gould.
Vestuario: Nancy McArdle.
Maquillaje: Bob Westmoreland.

Rodaje: Birmingham, Alabama (USA).

Estreno USA: 23 de abril de 1976.

Estreno España: Directamente en video.

Premios: Globo de oro al mejor actor revelación (Arnold Schwarzenegger).

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Craig Blake), Sally Field (Mary Tate Farnsworth), Arnold Schwarzenegger (Joe Santo), R. G. Armstrong (Thor Erickson), Robert Englund (Franklin), Helena Kallianiotes (Anita), Roger E. Mosley (Newton), Woodrow Parfrey (Tio Albert), Scatman Clothers (William), Kathleen Miller (Dorothy Stephens), Fannie Flagg (Amy), Joanna Cassidy (Zoe), Richard Gilliland (Hal), Mayf Nutter (Packman), Ed Begley Jr. (Lester), John David Carson (Halsey), Joe Spinell (Jabo), Clifford A. Pellow (Walter Jr.), Dennis Fimple (Bubba), Garry Goodrow (Entrenador), Bart Carpinelli (Concursante), Bob Westmoreland (Banquero), Brandy Wilde (Chica 1), Laura Hippe (Chica 2), John Gilgreen (Oficial de seguridad), Murray Johnson, Dennis Burkley y Austry Pinson (Culturistas), Martin Hames (Camarero) y Roger Callard (Él mismo).

ARGUMENTO:

El rico heredero de una gran fortuna Craig Blake es enviado por el consorcio que ha adquirido las casas de todo un distrito con la idea de edificar, para que trate de convencer al pequeño local que aún no ha vendido su parte. Este local es propiedad de Joe Santo, “Mr. Austria” y en él tiene un pequeño gimnasio llamado “OLympic” en el que se prepara para el título de Mr. Universo. Craig empezará a familiarizarse con el mundillo y se enamorará de la chica de Joe, Mary Tate.

COMENTARIO:

Cuarto largometraje de Bob Rafelson, inmediatamente anterior a su gran éxito “El cartero siempre llama dos veces” (1981), director muy ligado a la carrera de Jack Nicholson y que no se prodiga demasiado. Su carrera ha sido irregular con algún destello de maestría en títulos como “Mi vida es mi vida” (1970), “El caso de la viuda negra” (1987) y sobre todo “Sangre y vino” (1997), posiblemente su mejor trabajo. “Músculos de acero” es una comedia deportiva poco conseguida que tiene como principal curiosidad, el ser el primer trabajo de importancia del después enormemente taquillero y finalmente político Arnold Schwarzenegger. Por este trabajo ganó el Globo de oro al mejor debút. Jeff Bridges y Sally Field volverían a ser pareja en “Bésame y esfúmate” (1982).

VALORACIÓN IMDB:

5'7/10.

KING KONG (FICHA)

KING KONG

King Kong

1976. Dino de Laurentiis. 134 min. Color.

Director: John Guillermin.
Guión: Merian C. Cooper, Edgar Wallace, James Ashmore Creelman, Ruth Rose y
Lorenzo Semple Jr.
Historia de: Merian C. Cooper y Edgar Wallace.
Productor: Dino de Laurentiis.
Productores ejecutivos: Federico de Laurentiis y Christian Ferry.
Música: John Barry.
Director de fotografía: Richard H. Kline.
Montaje: Ralph E. Winters.
Casting: Joyce Selznick.
Diseño de producción: Mario Chiari y Dale Hennesy.
Directores artísticos: Archie J. Bacon, David A. Constable y Robert Gundlach.
Decorados: John Franco Jr.
Vestuario: Moss Mabry y Anthea Sylbert.
Maquillaje: Del Acevedo y Rick Baker.

Rodaje: Los Angeles, California, Manhattan, Nueva York y Hawaii (USA), entre el 16 de enero y el 27 de agosto de 1976.

Estreno USA: 17 de diciembre de 1976.

Estreno España: 23 de diciembre de 1976.

Recaudación USA: 52.614.445 $.

Premios: Globo de oro a la mejor actriz revelación (Jessica Lange).

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Jack Prescott), Charles Grodin (Fred Wilson), Jessica Lange (Dwan), John Randolph (Capitán Ross), Rene Auberjonois (Bagley), Julius Harris (Boan), Jack O’Halloran (Joe Perko), Dennis Fimple (Sunfish), Ed Lauter (Carnahan), Jorge Moreno (Garcia), Mario Gallo (Timmons), John Lone (Cocinero chico), Garry Walberg (General de la Armada), John Agar (Oficial), Keny Long (Hombre con mascara de mono), Sid Conrad (Presidente de Petrox), George Whiteman (Piloto de un helicóptero de la Armada), Wayne Heffley (General de las Fuerzas Aereas), Rick Baker (King Kong), Todd Baker (Espectador en el Shea Stadium), Corbin Bernsen (Reportero), S. C. Dacy (Fotógrafo del Newspaper), Walt Gorney (Policia en el metro), Shawn McAllister (Sargento de policia), Ira S. Rosenstein (Logan) y Joe Piscopo (Bit Part).

ARGUMENTO:

Una expedición descubre en una isla desconocida a un gigantesco gorila que es adorado por los indígenas. Transportado hasta Nueva York en la bodega de un barco, el descomunal gorila será exhibido como una atracción de feria. Esta situación se verá trastocada tras la huída del monstruo y el consiguiente pánico que desata en las calles de la ciudad.

COMENTARIO:

Ineficaz remake de mítico “King Kong”, llevado magistralmente al cine por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack en 1933. En esta ocasión el temible productor Dino de Laurentiis fue el artífice del proyecto, poniéndolo en las torpes manos de John Guillermin, por aquel momento metido de lleno en la moda del cine catastrófico. El final del filme cambió el Empire State Building por las tristemente célebres Torres Gemelas. Lo único celebrado fue el maquillaje de Rick Baker y el debút de la excelente Jessica Lange, ya que las críticas fueron demoledoras. Fue la primera vez que Jeff Bridges se involucraba en una producción de dichas características y la experiencia debió ser agotadora, aparte de suponer una desilusión, pues no volvió rodar una película en dos años. La película, pese a todo, ganó dos Oscar en el apartado técnico, los correspondientes a la mejor dirección artística y al mejor sonido. El tiempo además le ha hecho un flaco favor a esta película. En el año 2005, el neozelandés Peter Jackson, dirigió un nuevo remake de tres horas de duración y un presupuesto desorbitado que fue mucho mejor recibido tanto en taquilla como por la crítica.

VALORACIÓN IMDB:

5'6/10.

ALGUIEN MATÓ A SU MARIDO (FICHA)

SOMEBODY KILLED HER HUSBAND

Alguién mató a su marido

1978. Columbia. 97 min. Color.

Director: Lamont Johnson.
Guión: Reginald Rose.
Productor: Martin Poll.
Música: Alex North.
Directores de fotografía: Ralf D. Bode y Andrew Laszlo.
Diseño de producción: Ted Haworth.
Director artístico: David Chapman.

Montaje: Barry Malkin.
Decorados: Leslie Bloom.
Vestuario: Joseph G. Aulisi.

Rodaje: Nueva York (USA).

Estreno USA: 29 de septiembre de 1978.

Estreno España: 5 de julio de 1979.

INTÉRPRETES:

Farrah Fawcett-Majors (Jenny Moore), Jeff Bridges (Jerry Green), John Wood (Ernest Van Santen), Tammy Grimes (Audrey Van Santen), John Glover (Herbert Little), Patricia Elliott (Helene), Mary McCarthy (Flora), Laurence Guittard (Preston Moore), Vincent Robert Santa Lucia (Banjamin), Beeson Carroll (Frank Danziger), Eddie Lawrence (Otro vecino), Arthur Rhyris (Cliente), Jean-Pierre Stewart (Hombre con boina), Terri DuHaime (Madre de Lulu), Sands Hall (Mecanógrafa), Joseph Culliton (Portero de noche), Dave Johnson (Portero de día), Melissa Ferris (Empleada), Jeremiah Sullivan y Sloane Shelton (Extraña pareja), Mary Alan Hokanson (Mujer indignada), John Corcoran (Vigilante nocturno de Mary) y Mark Haber (Duende).

ARGUMENTO:

Un muchacho que trabaja en una tienda de juguetes conoce a una joven que se enfrenta a una vida matrimonial fracasada. Nada más verse, ambos se enamoran y consolidan su relación. Pero un día el marido de la joven aparece muerto en la cocina de casa, mientras los dos están en la cama. Ambos deberán encontrar al asesino puesto que ellos son los máximos sospechosos.

COMENTARIO:

Tras dos años apartado del cine, Jeff Bridges no pudo elegir una comedia más intrascendente con la que regresar. Lamont Johnson ya había dirigido a Bridges 5 años antes en “El último héroe americano”. Esta película trataba de explotar el supuesto filón comercial de Farrah Fawcett, entonces de plena actualidad con “Los ángeles de Charlie”, con la que Jeff volvería a coincidir en “Amores compartidos” (1989). La película fue un desastre comercial allí donde se estrenó.

VALORACIÓN IMDB:

4'4/10.

MUERTES DE INVIERNO (FICHA)

WINTER KILLS

Muertes de invierno / El invierno mata

1979. Avco Embassy/Winter Gold. 96 min.

Director: William Richert.
Guión: Richard Condon y William Richert.
Historia de: Richard Condon.
Productores: Daniel H. Blatt y Fred C. Caruso.
Productores ejecutivos: Leonard Goldberg y Robert Sterling.
Productor asociado: John H. Starke.
Música: Maurice Jarre.
Director de fotografía: Vilmos Zsigmond.
Montaje: David Bretherton.
Casting: Hank McCann.
Diseño de producción: Robert F. Boyle.
Director artístico: Norman Newberry.
Decorados: Arthur Seth Parker.
Vestuario: Robert De Mora.
Maquillaje: Del Acevedo.

Rodaje: Los Angeles, California, Philadelphia, Pennsylvania y Nueva York (USA).

Estreno USA: 11 de mayo de 1979.

Recaudación USA: 1.083.799 $.

INTÉRPRETES:

Jeff Bridges (Nick Kegan), John Huston (Pa Kegan), Anthony Perkins (John Cerruti), Eli Wallach (Joe Diamond), Sterling Hayden (Z. K. Dawson), Dorothy Malone (Emma Kegan), Elizabeth Taylor (Lola Comante), Tomas Milian (Frank Mayo), Belinda Bauer (Yvette Malone), Ralph Meeker (Gameboy Baker), Toshirô Mifune (Keith), Richard Boone (Keifitz), David Spielberg (Miles Garner), Brad Dexter (Capitán Heller 1), Michael Thoma (Ray Doty), Ed Madsen (Capitán Séller 2), Irving Selbst (Irving Mentor), Chris Soldo (Jeffreys), Robert Courtleigh (Primer ayudante de Z. K), Peter Brandon (Doctor), Joe Spinell (Arthur Fletcher), Ira S. Rosenstein (Ordenanza de Z. K), Kyle Morris (John Kullers), Phil Lito (Policia), Barbara Richert (Mujer ciclista), Patrice Bough (Secretaria 1), Eloise Hardt (Secretaria 2), Kim O’Brien (Primera chica rubia), Candice Rialson (Segunda chica rubia), Bill P. Wilson (Almirante), Loyd Catlett (Guardián de Z. K), Michael Bond (Mecánico), Helen Fagan (Azafata), Peter Kilman (Piloto), Gianni Russo (Copiloto), Lissette (Cantante cubana), Robert Boyle (Oficinista), Sydney Lanier (Raymond, el mayordomo), Helen Curry (Criada negra), Jesse Veliz (Hombre cubano en La Habana), Robert Wolcott (Chico de limpieza), Robert Moresco (Interino), Agneta Eckemyr (Enfermera 1), Tisa Farrow (Enfermera 2), Billie Allen (Recepcionista), Joe Ragno (Portero), Loutz Gage (Mayordomo), Camilla Sparv, Andrea Claudio, Erin Gray, Susan Walden, Rebecca Grimes, Jennifer Keith y Amanda Jones (Mujeres bonitas), Berry Berenson (Trabajadora en la morgue), Tim Culbertson (Guardia de seguridad), Regis Mull (Policia con Keifetz), Jack Hughes (Chico en bicicleta), Peter Koshel (Policia latino en el casino) y Gladys Hill (Secretaria de Pa).

ARGUMENTO:

Unos desconocidos han dado muerte al Presidente Timothy Kegan. Su joven hermano, Nick, sigue la pista de los asesinos, pero durante sus pesquisas descubre que su padre, un afamado magnate, está implicado en el crimen.

COMENTARIO:

Película de impresionante reparto y accidentado rodaje, suponía el debút como director de William Richert, un director que tan sólo rodaría dos películas más: “El triunfador” (1979) y “Una noche en la vida de Jimmy Reardon” (1988), protagonizada por el desaparecido River Phoenix. A mitad de rodaje la productora cayó en bancarrota y mientras esperaban la financiación para poder terminarla, Bridges y Richert aprovecharon para rodar juntos “El triunfador”, una película de mucho menos interés. La película se terminaría finalmente de rodar dos años después. Esta etapa es la más oscura e intrascendente en la carrera de Jeff Bridges, la que comprende los años que siguieron al fracaso de “King Kong” hasta su recuperación artística y comercial con “Contra todo riesgo” y sobre todo “Starman”.

VALORACIÓN IMDB:

6'4/10.